Recensioni e interviste

Da Il Corriere di Firenze dell' 1 novembre 2003

I dannati della classica

In merito al concerto del 26 ottobre 2003: "...il programma prevedeva inoltre una musica del compositore Cesare Valentini, Suoni e Silenzi, per pianoforte e sassofono contralto, scritta con la melanconia degli ultimi compositori romantici ma anche con ottimi accenti del nuovo linguaggio contemporaneo. Nella musica di Cesare Valentini si poteva evincere un interesse crescente nel dialogo tra i due interpreti dove anche il pianoforte, oltre ad accompagnare, aveva un preciso disegno melodico. Insomma, i compositori di oggi forse si sono resi conto che la musica non è solo effetto ma anche canto e melodia, che, inserita in un linguaggio nuovo, quale può essere come nel nostro caso quello del sassofono, determina una poesia e una descrizione avvincente."

Landino

Da Il Corriere di Firenze dell' 8 novembre 2003

Cesare Valentini ne dice delle belle sui direttori artistici

Come vanno le cose tra…direttori artistici? Il nostro redattore ha interpellato il compositore cesare Valentini, fiorentino di adozione. Leggete, perché ne dice di belle. Ma vedrete, anche Landino tornerà sulla questione.

Maestro Valentini, cosa vuol dire, oggi, essere direttore artistico di rassegne musicali a Firenze?

-Beh, vuol dire molto lavoro e fare i conti con piccoli budget dai quali si deve ottenere il miglior risultato artistico

Dove si svolgono le rassegne da lei dirette?

-principalmente in luoghi storici e di prestigio della nostra bella città, come Palazzo Pitti, Museo degli Argenti, Chiesa di Orsanmichele etc. sempre con l’aiuto del mio collaboratore il M° David Muntoni

Questi luoghi invogliano il musicista, ad esibirsi…

-Non c’è dubbio, la musica vuole i suoi templi, anche se non si tratta di teatri preposti allo scopo è una cosa molto affascinante poter usufruire di luoghi d’arte per i concerti perché è come dare un doppio servizio al fruitore, consentirgli di ascoltare e vedere

Quali sono le difficoltà di budget e come sceglie i musicisti?

-Le difficoltà sono date dal fatto che i budget che derivano da sponsorizzazioni o da vendite di biglietti non consentirebbero dei pagamenti adeguati per i musicisti di maggior fama, per questo motivo è necessario fare delle scelte e utilizzare le conoscenze personali che derivano da rapporti di lavoro e di amicizia con gli artisti. Per spiegarmi meglio, avendo siffatti rapporti è più facile chiedere ad un musicista di potersi esibire con un cachet inferiore a ciò che solitamente pretende facendo anche leva sul prestigio dei luoghi e sulla buona pubblicità che viene data ai concerti. Ovviamente tutto è proporzionato, nel senso che si propone comunque un pagamento dignitoso che, anche se inferiore, è comunque di tutto rispetto, poi è naturale che un musicista che magari ha inciso qualche mia composizione o che è stato contattato per altri concerti tenga conto di una serie di fattori. Ci vuole poi furbizia, ad esempio, chiedere ad un quartetto di replicare a Firenze un concerto eseguito qualche giorno prima in un’altra città è meno gravoso rispetto all’imposizione di un repertorio che tale formazione non ha mai suonato e che deve essere studiato appositamente per quella serata. E’ inoltre necessario avvertire per tempo i musicisti maggiormente impegnati e venirgli incontro in tutte le loro esigenze in modo tale che l’artista si senta veramente a “casa”, sapendo di poter contare su un altro musicista e non con un ente impersonale e irraggiungibile. Fra musicisti vi è un legame naturale che non deve venire mai meno.

E nelle grandi istituzioni come vanno le cose?

-Nelle grandi istituzioni spesso la direzione artistica, almeno come io la intendo, non c’è. Lo dico senza spirito critico, ma, mi creda, questo fatto mi rattrista non poco, perché è una delle cause della decadenza nella quale versa il settore musica oggi in Italia. Per essere direttori artistici bisogna essere musicisti e conoscere davvero la musica, cioè saperla valutare. Un direttore artistico, che per suo diletto e anche un po’ per lavoro, si reca ad un concerto, deve essere in grado di valutare l’artista e l’esecuzione. Magari ti trovi di fronte ad un illustre sconosciuto e ti rendi conto che è un mostro, ed è bene avvicinarlo subito, prima che se ne vada in giro per il mondo e non abbia più tempo per te. Questo è un lavoro molto importante nel quale c’è tanto dilettantismo. A volte nei luoghi istituzionali italiano vedo dei grossi nomi del tempo che fu che attirano molto pubblico ma che fanno raccapricciare, come se vedessimo in una importante partita di calcio Maratona a 50 anni! E magari questi direttori non leggono il curriculum inviatogli dal Pollini o dall’Abbado di domani.

Perché questo avviene?

-Sa, quando le stagioni sono fatte a tavolino da agenzie, magari di un’altra città… tutto si spiega

Quali sono le istituzioni che funzionano?

-In realtà… lei vuole sapere quali sono quelle che non funzionano. Ma il mio non è un attacco a Tizio o Caio, non basterebbe l’intero giornale. Ci sono grandi istituzioni che funzionano perché ci sono gli uomini adatti a portarle avanti, come Marco Tutino a Torino o Paolo Arcà a Genova, che, guarda caso sono compositori. La direzione è una cosa molto delicata che richiede professionalità, non è un posto di lavoro ne una carica politica, è inoltre necessario utilizzare i budget in modo appropriato, cercando il massimo livello artistico senza sperperare il denaro: dare una fortuna all’amico di turno o alla vecchia gallina d’altri tempi che, per il suo da fare non studia nemmeno bene la partitura, è non solo controproducente, ma è anche dannoso artisticamente. Auspicherei inoltre un vero ritorno alla musica d’oggi, che non è più quella di una incomprensibile lobby, ed anzi renderebbe partecipe di più il pubblico e i giovani agli eventi. Ritorniamo a fischiare dal loggione sapendo di potercelo permettere, perché giudichiamo una composizione, non fa male, è partecipazione, ed è sempre meglio che applaudire con disgusto.

Landino

Month’s YouTube Composer Cesare Valentini, august 2010

I know I’ve got a lot of viewers out there that have a more tonal
approach, and who might find some of Cesare’s music a bit challenging.
Well, I’ll be perfectly frank with you, I’m a bit of a tonalist
myself, and I find a lot of what Cesare composes challenging. But I
suspect that if you really listen to what he is doing orchestrally,
how he uses dynamics and extended techniques, and how he builds
fantastic textures with very original architecture, then you might
find his music as fascinating as I have, even a bit addictive. There
are enormous lessons to be learned from Cesare’s music, for a composer
of any approach.

On his YouTube channel, Cesare lists Penderecki, Messiaen, and Ligeti
as influences, and his music can be seen as carrying forward some of
their approach and language. But what I find compelling about Cesare
Valentini as a composer are the touches that are unique to him, one of
which is his lyricism.

When I first stumbled across Cesare’s channel, what I saw was this
video here, the Preghiera di San Bernardo, and I was immediately
hooked. It was a setting of the very last canto of Dante’s Divine
Comedy, in which the pilgrim looks into infinity and reaches the end
of all desire. The music seemed to embody perfectly the completion of
a spiritual journey - not in some glowing, triumphant series of big
major chords, but much more effectively in language that is
bittersweet, haunting, and really showing the weariness of a spirit
who has been through it all, from hell to heaven. The sense of
fulfillment is tempered with a knowledge of the price to pay for
perfection, and it makes the ecstasies stand out all the more
passionately. The way that Cesare blends the idioms of an advanced
harmonic language with heartfelt lyrical melodicism beautifully
mirrors Dante’s own Renaissance-era marriage of science and poetry.
Most composers like to set the very first verses of the Inferno, or
other passages from that first volume of the Divine Comedy. Cesare
really shows the potential of the other end of the Divine Comedy for
adaptation as well, if approached with originality and imagination.

Before we move on, it’s worth mentioning that the singer you see here
is none other than Susanna Rigacci, that great lyrical soprano who’s a
specialist not only in contemporary music, but also in baroque
performance. Cesare could not have worked with a better singer than
this, especially in setting a text of Dante. That’s typical of what
you’ll see on his channel - the performers in his uploads tend to be
first-rate, and his compositions fit them like a musical glove.

I mentioned extended techniques earlier, and you may have viewed other
videos of mine in which I caution against their overuse. The fact is,
there is a way of using them with abandon that doesn’t tire the
listener or the performer, and in fact stimulates the imagination,
showing how musical they can be when treated with care. Cesare’s two
pieces for string orchestra illustrate this to a tee. The first,
Rarefazioni di luce, is practically a how-to book on the tasteful
saturation of extended string techniques. I love this section here,
with the counterpoint rhythms running through the lower strings in
pizzicato harmonics.

Here’s another great section, with tremolo harmonics, harmonic
glissando and portamento, and left-hand pizzicato. Note how the
harmonic glissando is not used as a background effect, but dived into
with full force as a stand-alone musical element.

The other string piece, Universi Paralleli, is more impressionistic
and descriptive. It is intended as a musical trip through the cosmos,
and not only is it tautly composed modernistic music, it is also the
kind of musical accompaniment that more fully ties your visual sense
to vast images of faraway, mysterious parts of the universe.

New-age music has often been used in astronomy documentary soundtracks
to suggest a sense of spiritual peace and contentment with the stars.
But if you really read up on astronomy, you know that the universe is
a dangerous place, full of more wonders and terrors than any epic
saga. The sense of mystery and suspense can be overwhelming. That’s a
mood that Cesare has captured wonderfully in this piece, and it’s
instructive for any soundtrack composer in training. Check out this
part, how it chimes like the pulse of a rotating neutron star.

What’s the end result? These pieces sound ethereal, eerie, and other-
worldly, but never dehumanizing, never alienating. In fact, there’s a
deep sense of humanity in both these pieces, and also in his standout
piece for full orchestra, Movimento Circolare. If you’ve ever flown in
a single-engine plane in the tranquility of that moment just before
dawn when the sky starts to lighten, and stray thoughts come and go as
the world slowly comes into being, then you’ll recognize immediately
the mood that Cesare is capturing in this piece.

Movimento Circolare depicts not just flight in general, but the
specific last flight of Antoine de Saint-Exupéry, that great aviator
and author who disappeared, seemingly into thin air, during a World
War Two reconnaissance mission. Into this music of random thoughts and
ideas is also a hint of the character of the mind that conceived such
works as “The Little Prince,” and the very real danger from the Nazi
anti-aircraft guns below. Just like Cesare’s other pieces, this is
descriptive music at a very high level, and would be perfect for a
great film about wartime aviation. It’s amazing to me that as of today
in late August of 2010, the YouTube videos of this piece have only
gotten 60 to 80 views since they were uploaded three months ago - they
should have ten times, even a hundred times that many. If you’re a
student of orchestration, and especially of the emotional
possibilities of orchestral texture in film scoring, then you owe it
to yourself to go have a look.

This piece was premiered in Mexico earlier this year, in three
performances including this one with that excellent group the Mexican
State Orchestra, which as you can hear has got some great players. If
you drop in on Cesare’s website, you can see that he’s starting to
develop an international profile, and that bodes well for the
particular style of contemporary music that he composes. I could see
Cesare eventually becoming a leading voice in the slow evolution of
late-20th-century approaches towards a more universal, forward-
thinking idiom in which technique and innovation are no longer an end
in themselves, but a doorway to something greater.

Thomas Goss